Acervo do Rock

13 de setembro de 2011

Forever Changes - Love

Entretanto destes o melhor e mais respeitado grupo era o Love formado (originalmente em Memphis 1964) por Arthur Lee (Guitarrista e compositor) que tinha Bryan McLean e John Echols nas guitarras, o baixista Ken Forssi e o baterista Don Conka (logo substituído por Alban "Snoopy" Pfisterer). Com esta formação debuta pela Elektra Records com LP homônimo, uma viagem sonora com pouco mais de meia hora que trazia pelo menos duas canções inesquecíveis: a lisérgica "Signed D.C." e uma cover da clássica "Hey Joe". Com acréscimo de Tjay Cantarelli nos sopros e Snoopy (substituído na bateria por Michael Stuart) comandando os teclados a banda lança ainda em 1966 o segundo trabalho “Da Capo”, cujas seis primeiras canções (lado A do LP) formam um dos mais perfeitos medleys já gravados (ideia copiada pelos Beatles em “Abbey Road”) com destaque para as etéreas "Stephanie Knows Who" e "Seven & Seven Is".

Os dois primeiros discos venderam cerca de 100 mil cópias, número expressivo para a época. Entretanto por seu forte temperamento Lee se recusava a excursionar com banda muito longe de Los Angeles, cidade onde então haviam se estabelecido, o que de certo modo tornava o Love um grupo cult fora destas cercanias. De nada adiantou a insistência da gravadora por uma excursão e um hit single como “Light My Fire” dos Doors. Nas palavras de Jac Holzman, presidente do selo: "Arthur era e provavelmente é um das pessoas mais espertas que conheci do meio. Apesar do talento, ele preferia ficar isolado mais do que o necessário e isso prejudicou muito sua carreira. Ele foi um dos maiores gênios que conheci, mas apesar de tanta genialidade, recusava a aparecer em público."

A partir daí a banda viveria então uma seria crise interna com os integrantes se afastando um dos outros, cada vez menos interessados em tocar em conjunto e uma vez mais interessados em obter lucros. Parecia quase uma tarefa impossível um terceiro disco do grupo, entretanto quase no fim de 1967 após 4 exaustivos meses de trabalho dava as caras ao mundo o excepcional "Forever Changes" o melhor disco já gravado pelo Love e um dos melhores discos de todos os tempos comparável mesmo ao “Sgt. Peppers” dosBeatles em termos de excelência musical.

Bruce Botnick (junto com Neil Young que tão logo pularia fora do projeto) foi então cooptado pela gravadora para produzir o projeto e havia encontrado o grupo em um estado lastimável, durante uma única sessão o grupo gravara duas canções “Andmoreagain” e “The Daily Planet”. Botnick então deu período de “férias” para a banda que esporadicamente se reunia em estúdio para trabalhar as novas canções. Como bem lembra Lee: "Nós tínhamos o costume de trabalhar toda a noite. Depois que começamos a ganhar dinheiro paramos de produzir. Quanto mais dinheiro entrava, menos produzíamos e isso deteriorou o Love. Cada um queria seu carro, sua casa e não precisavam mais de mim, que escrevia 90% das canções.”

Neste ritmo e com pouco entusiasmo por parte dos seus integrantes dificilmente seria gravado um trabalho decente, foi aí que apareceu David Angel - figura central para a concepção deste álbum. Com o insucesso das gravações de junho de 67 a banda retornaria ao estúdio durante quase três meses por períodos descontinuados de um ou dois dias para terminar o que havia começado.

A esta altura Arthur e Lee já estava ciente de que sua banda não possuía membros tão técnicos como oJimi Hendrix Experience e o The Doors. Sua ideia era então fazer um disco bem menos enérgico e mais calcados nas canções que então teriam um maior requinte instrumental e de fato as canções que compõe “Forever Changes” são de uma sofisticação poucas vezes (ou talvez nunca mais) alcançada na historia do Rock. Angel cooptou músicos da Filarmônica de Los Angeles e Lee então lhes explicava em quais partes desejava ter o som mais elaborado.

“Forever Changes” é um disco que marca uma ruptura com os padrões musicais vigentes na época seja pela inclusão de elaborados arranjos de cordas e sopros ou pelas complexas estruturas que permeiam os arranjos de suas singulares canções. Além disso é o grande disco que marca em definitivo a sonoridade do Love uma das inovadoras mesmo em pleno desbunde psicodélico e que se delineava mais intensamente a partir de “Da Capo” (1966): uma psicodelia pouco ortodoxa que condensava num grande caldeirão musical idiossincráticos elementos de música Folk, com turvas passagens de Rhythm & Blues aliada a tons de balada e claras inspirações de música erudita.

O álbum abre com uma sensacional balada a incrivelmente Folk “Alone Again Or” de autoria de Brian McLean com direito a uma excepcional sessão de metais em dado trecho da canção, curiosamente é a canção mais conhecida do Love. A psicodélica “A House Is Not A Motel” mostra a diversidade de arranjos do disco, orapasseando calmamente pelo Folk ora golpeando o cérebro do ouvinte com intervenções instrumentais ao melhor estilo Jimi Hendrix Experience.

O disco prossegue com “Andmoreagain” romântica balada com belíssimo trabalho nas cordas, uma canção digna de elogios por Sir MacCartney. Já “The Daily Planet” recortada por abruptas interrupções e com a guitarra fazendo contraponto ao violão é um dos melhores rock feitos pelo grupo. O destaque aqui fica por conta da bateria de Stuart que literalmente “surra” seu kit com extrema precisão.

O bucolismo Folk de “Old Man” carrega nas passagens mais dramáticas, onde se sobressaem a nada sutis intervenções da filarmônica de Los Angeles e a emocionada interpretação de Lee nos vocais.

Complexas texturas psicoclássicas se fazem presentes na etérea “The Red Telephone” uma composição de rara beleza que divaga a situação do homem comum perante a existência, indubitavelmente se trata duma das maiores canções de todos o tempos com arranjos simplesmente geniais. Segundo reza a misteriosa letra da canção teria sido escrita por Lee após uma viagem regada a muito ácido em que teria assistido pessoas sendo mortas à margem de um enorme rio como atesta os primeiros versos da canção: “Sitting on a riverside/Watching Others people die/ I feel much better on the other side….”.

“Maybe The People Would Be Times Or Between Clark And Hilldale” é uma balada flamenco-orquestral mesclando claras influencias latinas com as inspirações mais eruditas de Arthur Lee. Já em “Live And Let Live” a banda arrisca um Folk aos moldes britânicos de Donovan entremeado por solos de guitarra ao melhor estilo Jerry Garcia.

“The Good Humor Man See Everything Like This” apresenta-se no melhor estilo balada classuda, entrecortada por abruptas interrupções (com direito a final falso no meio da canção) aqui são as cordas e os instrumentos de sopros que dão a tônica da canção. A esta altura do disco o inesperado semi rap dylanesco “Bummer In The Summer” certamente pega o ouvinte de surpresa. E realmente é impressionante a riqueza de arranjos das canções que compõe este disco como atesta a monstruosa (no bom sentido do termo) “You Set The Scene” que se inicia ao melhor estilo Pop Rock e gradualmente atinge o contorno de balada épica, encerrando com chave de ouro esta obra prima do Rock.

Arthur Lee na época com 26 anos acreditava loucamente que iria morrer e “Forever Changes” seriam as suas últimas palavras em vida e como a morte estava envolto em torno de sua pessoa essa seria sua “mudança para sempre”.

Bem, no fim das contas Arthur Lee viveu por muito tempo ainda (morreria apenas em 2006), continuando com o nome do grupo por alguns discos irregulares, mas felizmente deixou em “Forever Changes” uma herança para toda a humanidade para quem quiser matar saudades desse amor derretido por excesso de ácido e criatividade.

FAIXAS
1. Alone Again Or
2. A House Is Not A Motel
3. Andmoreagain
4. The Daily Planet
5. Old Man
6. The Red Telephone
7. Maybe The People Would Be Times Or Between Clark And Hilldale
8. Live And Let Live
9. The Good Humor Man See Everything Like This
10. Bummer In The Summer
11. You Set The Scene

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Judas Priest e Whitesnake (Anhembi, São Paulo, 10/09/11)

Fotos: Matheus Obst

David Coverdale põe fogo na idéia de quem diz que, com a idade avançada, suas cordas vocais não são mais as mesmas. É claro que ele sabe disso, mas, ao deixar sua voz soar mais grave, como nos dois últimos discos da banda, o vocalista deixa os críticos imaginar outra forma de o criticar. E o que dizer da atual formação da banda? Quem presenciou sabe, a qualidade dos integrantes é inigualável e leva a crer que, somente agora, com quase 40 anos de existência, o grupo encontrou uma das mais sólidas e fincadas no blues e rock de suas formações. Doug Aldrich e Reb Beach, nas seis cordas, deram um show à parte.

Mas então, as quase 30 mil pessoas que estavam no Anhembi viram o Whitesnake dar adeus e um outro pano de fundo tomar conta do palco onde os dois grupos se apresentaram. No horário marcado, às 22 horas – o que é raro -, o Priest subiu ao palco logo com uma porrada. “Rapid Fire” foi a primeira música do setlist que trouxe somente clássicos da banda.
Tudo bem, em termos musicais, a apresentação do Whitesnake foi, sim, a que mais se destacou, já que a banda possui uma fusão de ritmos bem maior que os britânicos do Priest. Mas a maior parte dos presentes queria mesmo é saber do heavy metal de Rob Halford & Cia.

E não faltaram as motocicletas no palco nem mesmo o tridente característico da banda para aterrissar os fãs em uma espécie de culto à nostalgia do Priest. Não demorou para que o público se agitasse mais e potencializasse a energia em gritos de apoio e músicas cantadas ao pé da letra.

Para se valer de alguns exemplos, “Breaking the Law”, “Victim of Changes” e “Painkiller” foram as mais animadas. Na primeira, Halford sequer cantou. Optou por deixar a platéia ocupar seu lugar. Escolha mais do que sábia. O coro metálico tomou conta do Anhembi.

Por último, o performático Rob Halford, destaque ao lado de Scott Travis, nas baquetas, fez com que a noite terminasse ao melhor estilo. “Living after midnight” fechou o repertório da noite, dando boas-vindas à madrugada paulistana que já havia chegado – o show terminou por volta das 00h15. Duas grandes bandas que fizeram mais um bom show no Brasil. Resta a esperança que voltem mais vezes.

http://whiplash.net/materias/shows/137897-whitesnake.html

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Blind Guardian (Via Funchal, SP, 09/09/2011)

Texto: Durr Campos/ Fotos: Fernanda Lira

Por volta das 20:30h o Brotherhood de Franca (SP) iniciou seu curto, porém eficientíssimo set. Para quem não sabe, a banda surgiu após a dissolução do Savior e nesta noite praticaram um power metal que em muitos momentos lembrou a atração principal em sua fase inicial. As músicas do seu debut Where The Gods Collide tiveram uma calorosa receptividade, sem contar na ótima participação do tecladista Fábio Laguna (Hangar). Bom nome do cenário nacional, apesar de não trazerem nada de inédito musicalmente falando.

Pontualmente às 22h os filhos de Tolkkien entraram em cena com “Sacred Worlds”, canção que também abre seu mais recente disco, At The Edge of Time (2010). Mal se podia escutar a voz de Hansi Kürsch tamanha euforia dos fãs. Eles receberam bem a reação e mandaram a clássica “Welcome to Dying”. O peso absurdo da bateria de Frederik Ehmke abrilhantou algo que já era perfeito, sem contar o trabalho de guitarras da dupla infalível André Olbrich e Marcus Siepen. “Nightfall”, do aclamado Nightfall in Middle-Earth (1998), realçou a técnica de ambos, em especial de Olbrich, responsável pela maioria das composições e de todos os solos. A estrutura desta canção é salutar e pode-se afirmar que mesmo não sendo apreciador de música pesada não há como ficar imune à sua beleza. O Via Funchal naquele instante tornou-se um cenário de antigos guerreiros lamentando o destino de sua terra devastada pela escuridão. Quem conhece a estória contada no livro O Senhor dos Anéis (por isso a brincadeira no início deste parágrafo) sabe melhor do que ninguém que o BLIND GUARDIAN é um dos maiores conhecedores do assunto. Brilhante!

A Twist in the Myth (2006) foi lembrado através de sua faixa mais conhecida, “Fly”, também lançada mundialmente no formato single. Belas harmonias e letras que mantiveram a ótima vibração e conectaram o público ao hino “Time Stands Still (at the Iron Hill)”. Hansi procurava explicar um pouco das canções antes de anunciá-las, o que é bem interessante, pois o mostra preocupado também com aqueles que, por ventura, os estão assistindo/ouvindo pela primeira vez ou, no mínimo, recentemente. A seguinte é um show a parte. Porque “Bright Eyes” não só é uma de suas músicas mais importantes como de todo um estilo copiado pelos quatro cantos do Planeta. Lembro-me que quando o álbum Imaginations From the Other Side – de onde provém a supracitada pérola – fora lançado há mais de 15 anos as reações eram quase unânimes de que estávamos ali diante de um disco a prova do tempo. A “profecia” se confirmou e, apesar do vocalista não conseguir alcançar as notas originais com tanta facilidade, este foi o destaque da noite.

Outro grande momento vem na sequência, com a estonteante “Traveler In Time”, do magnífico Tales From the Twilight World. Impressionante o fato de uma composição lançada há mais de duas décadas ainda soar tão atual e superior a centenas de coisas que chegaram ao mercado musical nos últimos anos. Retornaram ao disco mais recente com “Tanelorn (In the Void)”, para então viajarem no tempo e emendarem a trinca mais funcional que poderiam imaginar. Senão vejamos. “Lord of the Rings” quase causou um dano às estruturas do local devido seu impacto nos fãs. Logicamente estamos falando de um modo figurado, mas o impulso gerado foi impressionante! Assim também ocorreu quando Hansi convidou o público a “abrirem os portões da Valhalla”, entoando a única (infelizmente!) canção do Follow The Blind (1989) presente no repertório. Por fim, mas definitivamente não menos importante, a imponente “Majesty”, do debut Battalions of Fear (1988) que, para muitos, ainda continua sendo o mais importante álbum da banda. Confesso que por algum tempo pensei o mesmo. Cabe revelar que esta música não estava prevista para o show de São Paulo, algo que confirmei ao fotografar o set-list após o fim do espetáculo. A longa e um tanto maçante “And Then There Was Silence”, do A Night At the Opera (2002), encerrou ali a parte regular da apresentação.

Sem muita enrola, a introdução pré-gravada denunciou mais uma das novas: “Wheel of Time”. Sua letra e melodia enigmáticas deixaram a parte final do concerto bem legal. Pessoalmente adoro a influência de música árabe nela. O clima de fantasia veio com tudo ao anunciarem em seguida uma das mais cantadas, “The Bard’s Song – In The Forest”. Um show do BLIND GUARDIAN sem ela é fora de cogitação. Parecia não haver ali uma pessoa sequer que ficara de fora do coro. Mal a banda finalizou esta e os fãs gritaram a seguinte. No palco eles se entreolhavam sem acreditar no que viam. Lógico que estamos falando da escolha perfeita para o encerramento em ótimo estilo: “Mirror Mirror”, do já mencionado Nightfall in Middle-Earth. Noite memorável.

Set-list do Blind Guardian:

1. Sacred Worlds
2. Welcome to Dying
3. Nightfall
4. Fly
5. Time Stands Still (at the Iron Hill)
6. Bright Eyes
7. Traveler In Time
8. Tanelorn (Into the Void)
9. Lord of the Rings
10. Valhalla
11. Majesty
12. And Then There Was Silence

Encore

13. Wheel of Time
14. The Bard's Song - In the Forest
15. Mirror Mirror

http://whiplash.net/materias/shows/137854-blindguardian.html

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Sakrah: em entrevista para o Polêmico Rock

Polêmico Rock - Me conte um pouco da história do Sakrah: como surgiu o interesse pelo projeto inicialmente, o line up, e o direcionamento do som de vocês.

Alex: O Sakrah foi formado em 2009. Todo mundo da banda tem história e bagagem já, mas estávamos querendo fazer um som que a gente gosta de ouvir. Aí surgiram os primeiros riffs, com as influências de tudo que a gente ouve diariamente. A intenção sempre foi de montar uma banda e não um projeto, por isso a gente leva muito a sério e se dedica 24 horas por dia na banda, compondo, criando, divulgando, etc. A gente faz tudo com calma e foco, pra poder deixar tudo sincero e bem feito, em respeito a quem curte o som.

Hoje nós mesmos somos fãs da banda! Então isso facilita na criação e na honestidade do som. A gente está fechando uma parceria com a Jaguah Sounds International, que vai produzir e introduzir a banda no mercado internacional, isso vai ser um grande salto pra gente. Estamos planejando uma tour europeia, mas ainda não temos datas corretas pra divulgar. Assim que tiver na mão, você vai ser o primeiro a saber.

Polêmico Rock - Legal. Eu, sinceramente, tenho certeza de que serão muito bem recebidos lá fora. É inegável que o Sakrah possua uma qualidade sonora incrível, visto em seu EP "Collider". Este profissionalismo e dedicação, portanto, foi algo estabelecido desde o começo? Ou, ao meu ver, a excelência é um hábito de cada um ... e não algo que deva ser estabelecido de uma hora pra outra, certo?

Alex: Cara, a gente sempre prezou por fazer um trampo bem feito, mas no Sakrah tem um carinho a mais, confesso (risos). A gente se cobra sim, pra fazer tudo direito, desde a composição até a execução. Não acho que isso tenha sido estabelecido, acho que a experiência de todos ajuda muito no profissionalismo, além da dedicação também.

Polêmico Rock - Eu relacionei o som de vocês muito com o Pantera, Kyuss e Down. Mas isso é mais uma opinião minha. Gostaria que vocês levassem isso como um elogio, visto que eu sou grande fã dessas três bandas. Se eu estiver errado, então me diga: Quais são as principais influências do Sakrah?

Alex: Você esta certíssimo (risos)! Inclusive vamos pro show do Down esse ano! Vamos?! (risos). Agora, além disso ouvimos muitas outras coisas, como Lamb Of God, Black Label Society, SOAD, Machine Head, Biohazard, Testament, Sepultura, Atomship, Clutch, In Flames, etc. A gente não pensa pra fazer os sons, tipo “vamos fazer um som na praia de ...”, a gente faz o som sem pensar... na energia que vier, sem se preocupar com influências. Elas aparecem, por obviedade, mas não é proposital e nem tentamos parecer com ninguém.

Polêmico Rock - Se você esta falando do SWU, certamente tomaremos uma cerveja por lá então! (risos). As composições do Sakrah parecem se concentrar mais na melodia. Obviamente que temos qualidade, técnica, e muita ralação por trás disso tudo, mas a melodia é elemento abundante e relevante, visto em todas as faixas. Este foi sempre um objetivo da composição das músicas do grupo?

Alex: Então Plinio, acho que não é nada pensado, simplesmente sai ... Você precisa ir num ensaio nosso pra ver como rola ... as vezes sai um riff de guitar de brincadeira ... Aí o Cliff acompanha, o BA já entra com a batera e do nada, saiu um som novo ... 70% dos sons, saem de improvisos ... daí vem a honestidade que te disse lá tras.

Polêmico Rock - Quanto ao ensaio eu não sei, mas ao um show certamente eu irei. Como esta o andamento dos shows? Como os headbangers estão recebendo o som de vocês?

Alex: Bom, quanto a shows, o cenário está bem fechado, principalmente pra sons autorais, mas a gente ta conseguindo se manter legal, tem bastante procura pela banda, mas no momento estamos focados em terminar o CD, então demos uma respirada em shows.

Quanto aos headbangers, não tenho palavras pra descrever cara... Tá muito bem aceito, muita gente adicionando nas redes sociais, já passaram de 800 downloads do EP em quase três meses. Acho que estamos no caminho certo e a galera está sentindo o mesmo que a gente.

Polêmico Rock - Qual a previsão de um novo álbum ser lançado?

Alex: A intenção é terminar até novembro, mas o lançamento só no começo de 2012. E pode esperar um show animal pra esse lançamento!

Polêmico Rock - Com relação às letras, a canção de vocês falam, de uma forma um pouco subjetiva, do nosso dia a dia. Por exemplo, "Reflection" e "When I Fall", que possuem letras realmente fortes e agressivas, quando se trata da mente do ser humano: o que o ser humano pensa, como ele age, reage, ou deveria reagir. Enfim, como acontece a composição das letras? Refere-se à opinião de todos, ou seria opinião própria de algum integrante em específico?

Alex: Outra coisa que não definimos como caminho, simplesmente rola... Tudo depende da energia do dia, do que de repente aconteceu naquela semana... Acho que é um reflexo real de tudo que está rolando no mundo, ou nas nossas vidas... As vezes, damos algumas idéias, por exemplo, vamos falar de um assunto “X”, porque isso está me incomodando, ou porque gostamos de tal assunto, mas se eu for te falar uma linha, vou mentir, pois é mais pra uma incógnita (risos).

Polêmico Rock - Parece que as coisas rolam de uma forma bem natural realmente. O Sakrah possui profissionalismo e maturidade em relação as suas composições, quanto na qualidade dos seus trabalhos, quanto na divulgação, nas fotos, enfim. Contudo, como toda banda brasileira, acredito que vocês tenham ou já tiveram algumas dificuldades perante o cenário brasileiro. Como vocês definem o cenário musical brasileiro, atualmente, aquele voltado para o underground?

Alex: Putz... honestamente, a cena é difícil... Mas o problema tá na galera que não vai nos shows. Se vem uma banda gringa, BOMBA... Se é uma banda nacional, você conta nos dedos a galera no show. Pra salvar o Underground, primeiro precisamos mudar nossa cabeça e nossos costumes. A galera precisa ficar mais antenada no que está roland, o metal nacional evoluiu MUITO! Tem muita coisa boa rolando por aí. Pra banda sobreviver, a gente tem que amar mesmo! Senão, esquece... Isso não é só nossa opinião, mas de várias bandas parceiras em conversas em off. Queria inclusive agradecer a Alumia Design que apoia a banda!
http://www.alumia.com.br

Polêmico Rock - Neste fim de entrevista, gostaria que vocês contassem algum momento engraçado e/ou bizarro que tenham acontecido com o Sakrah.

Alex: Coisas engraçadas acontecem tempo todo... (risos). O Marcelo BA (batera) não para um segundo... o cara mais bem humorado da banda, então coisas bizarras acontecem o tempo todo, não lembro de uma em específico, mas acho que a banda tem isso, um bom humor, apesar das caras malvadas... (risos). Teve uma situação em que um senhor me perguntou se era uma banda cristã, por causa do nome... e eu disse que sim e coloquei o som pra ele ouvir... resultado... ficou com uma cara de reprovação e criticou as novas bandas gospel, por fazerem esse tipo de som... (risos). Foi realmente bizarro.

Polêmico Rock - Deixe algum recado para aqueles que apreciam o som do Sakrah, e se possível, contato para shows e eventos.

Alex: Galera, esperamos de coração que vocês estejam curtindo nosso som! Como já dissemos, é tudo honesto e de coração! Nós estamos em quase todas as redes sociais, podem adicionar que serão MUITO BEM VINDOS! Segue aki o link pra baixar nosso EP: http://www.sendspace.com/file/7cbjyd. Baixem e curtam! Nosso contato, para shows, eventos, merchan, etc: contato@sakrah.com.br. Nosso site:
http://www.sakrah.com.br

Polêmico Rock - Um grande abraço, e obrigado por essa grande oportunidade de entrevistar o Sakrah, banda pelo qual possui potencial de sobra para ser um grande nome nacional e internacional.

Alex: Velho, o prazer é todo nosso! Queríamos agradecer por nos ajudar a divulgar nosso som e parabenizar pelo seu trabalho, que está muito bom mesmo! O metal precisa de gente como você que se importa com o que ta rolando e que apoia as coisas que gosta independente se é nacional ou não. Um abraço!!!

Polêmico Rock: Obrigado! Posso dizer com absoluta certeza que as pessoas estão curtindo o som de vocês. E vida longa ao Sakrah!

http://whiplash.net/materias/entrevistas/137937-sakrah.html

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Noisecreep: os melhores documentários de Heavy Metal

O Noisecreep elaborou uma lista com os dez documentários sobre Heavy Metal que você não pode deixar de ver. Confira, em ordem decrescente.

10. Until the Light Takes Us (2009)

O filme tem sua temática centrada na cena norueguesa do Black Metal e conta com depoimentos de duas das figures mais controversas do gênero: Gylve "Fenriz" Nagell (Darkthrone) e Varg "Count Grishnackh" Vikernes (Burzum). A cena destaque fica por conta de Kjetil-Vidar "Frost" Haraldstad. O baterista do Satyricon cospe fogo e se corta com uma faca eu frente à platéia de um de seus shows.

9. Iron Maiden: Flight 666 (2009)

O filme segue os mestres do Heavy Metal durante a primeira parte da Somewhere Back In Time World Tour, entre fevereiro e março de 2008. O grupo viaja em seu próprio 747, pilotado pelo capitão e vocalista Bruce Dickinson.

8. Heavy Metal Parking Lot (1986)

Se você esteve em um show de Metal nos últimos 30 anos, já sabe que pode ver imagens inesquecíveis antes mesmo de entrar no local da apresentação. Esse documentário de 17 minutos foi filmado antes de um show do Judas Priest, em 31 de maio de 1986, se tornando um ícone do estilo.

7. Get Thrashed (2008)

O grande diferencial dessa produção é que ela não restringe foco às óbvias e bem sucedidas bandas do Thrash Metal. Nomes como Vio-Lence, Hirax, Overkill e Nuclear Assault são lembradas, para alegria de quem viveu a era de ouro.

6. Heavy Metal in Baghdad (2007)

Filmado durante três anos, segue a banda iraquiana Acrassicauda lutando para manter sua música viva em um país despedaçado pela guerra.

5. Lemmy (2010)

Poucos músicos representam o espírito do estilo como Ian “Lemmy” Kilmister. Esse documentário tenta retratar um pouco de seu cotidiano, permeado por histórias que só uma lenda viva poderia oferecer.

4. Some Kind of Monster (2004)

Registrando o momento mais tenso da carreira de uma das maiores bandas do mundo, esse documentário vai fundo na crise que tomava conta do Metallica. Genial para alguns, constrangedor para outros, o que não dá é para ficar indiferente.

3. Anvil! The Story of Anvil (2009)

A banda que todo mundo ouviu falar, mas poucos conheciam. Assim como poucos sabiam o que seus membros faziam para sobreviver, já que o grupo não lhes dava retorno. Mas o sangue, suor e lágrimas valeram a pena após esse documentário, produzido por Sacha Gervasi, que trabalhou como roadie do conjunto em seus primórdios.

2. The Decline of Western Civilization Part II: The Metal Years (1988)

Em plena Guerra com a censura exercida pela PRMC, o documentário mostra a cena musical de Los Angeles. Embora alguns grupos como Megadeth e W.A.S.P. compareçam, o foco é nos grupos de Hair Metal. Excessos e rebeldias de quem ainda acreditava que poderia mudar o mundo comparecem aos borbotões.

1. Metal: A Headbanger's Journey (2005)

Sam Dunn viaja pelo mundo conversando com músicos e fãs sobre o Heavy Metal e seus subgêneros. Pelo caminho, muitas histórias e o significado do estilo em uma visão mais ampla que qualquer produção já ofereceu.

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Dream Theater: dez anos de uma triste coincidência

O ano de 2001 seria um ano rotineiro para o DREAM THEATER. A banda acabara sua grande turnê "Metropolis 2000" com grandes apresentações do álbum "Scenes From a Memory" e estava preparando o lançamento de "Six Degrees of Inner Turbulence". Os shows refletiam o aspecto teatral do álbum. Uma tela de vídeo na parte de trás do palco mostrava imagens acompanhando a narrativa para a história do álbum. Além de tocar o álbum na íntegra, a banda também tocou um segundo conjunto de músicas, bem como alguns covers e improvisações de material antigo. E nesse clima foi gravado um show extra especial, no Roseland Ballroom, em Nova York, onde foram contratados atores para interpretar personagens na história, além de um coro gospel para atuar em alguns pontos da performance.

Tudo estava perfeito para a banda. Um grande DVD seria lançado com toda essa temática apresentada na turnê. Mas uma triste coincidência acabaria com a felicidade da banda, principalmente do baterista Mike Portnoy, que sempre demonstra seu patriotismo pelos EUA.

A capa para a versão CD que foi lançado do show, intitulado "Scenes Live from New York", apresentava um dos primeiros logos do Dream Theater (um coração ardente, inspirado no Sagrado Coração de Cristo) modificado para mostrar uma maçã (representando o apelido de NY, "Big Apple") em vez do coração, e o céu da cidade, incluindo as torres gêmeas do World Trade Center, com a imagem da chama acima delas. Uma capa bem bonita por sinal.

A triste coincidência: o álbum foi lançado no dia 11 de Setembro, o fatídico dia em que as Torres Gêmeas foram atingidas por dois aviões em uma ação terrorista, e, após algumas horas tomadas pelas chamas (assim como na capa do álbum), elas desmoronaram matando milhares de pessoas. O álbum então foi rapidamente retirado das lojas e foi relançado pouco tempo depois com imagens do próprio show na capa.

Estima-se que existam cerca de mil exemplares da capa original rodando o mundo, alguns chegam a ser vendidos por milhares de dólares, que, devido a toda essa coincidência, se tornou item raro para os fãs.

No álbum "Six Dregrees of Inner Turbulence" a banda mudou o nome de uma música por conta dos ataques . "The Great Debate" era originalmente intitulada "Conflict at Ground Zero". John Petrucci e Mike Portnoy estavam mixando o novo álbum em um estúdio de Manhattan (onde ficavam as torres gêmeas) no mesmo dia dos ataques e fizeram a alteração quando todas as notícias começaram a se referir ao local como "Ground Zero"

http://whiplash.net/materias/curiosidades/137909-dreamtheater.html

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