25 de novembro de 2009

Steve Vai: conheça as 10 melhores faixas na opinião dele

Steve Vai revelou para o site Aol.com seu Top 10 de álbuns de guitarristas. Os que mais se destacam na opinião deles são os abaixo. Use os players para ouvir gratuitamente trechos das faixas.

10) The Champs - "Tequila"

"Esta faixa me faz sentir bem, sempre que a ouço."

9) Yngwie Malmsteen - "Black Star"

"Yngwie é apaixonado e ardente. Esta faixa é assombrosa e provocante. Ele toca com uma confiança feroz."

8) Stevie Ray Vaughan - "Lenny"

"Eu acredito que um músico faz a sua declaração mais íntima quando está no momento da performance. Nesta faixa Stevie está mais perto da guitarra do que as próprias cordas da guitarra. Quando você escuta, a melodia soa mais próxima do que seus próprios pensamentos."

7) Allan Holdsworth - "Devil Take The Hindmost"

"É raro ouvir um músico que não soa como qualquer outra pessoa. Allan é incomparável."


6) Frank Zappa - "Black Napkins"

"Frank tinha uma forma única de composição na guitarra. Quando ele improvisava seus solos, era como um furacão de vento e de notas. Podia escrever melodias profundamente comoventes."

5) Mashavishnu Orchestra - "Meeting of the Spirits"

"Este grupo foi extremamente importante. Cada músico é fenomenal e esta peça tem fluxos e refluxos, levanta-se e explode com ameaçadora aura metafísica."


4) Joe Satriani - "Is There Love In Space"

"Nós usamos a nossa personalidade como um recurso para nossas expressões criativas, e as melodias dessa música revelam um anseio honesto e humilde pela busca da verdadeira melodia."

3) Jimi Hendrix - "Midnight"

"É cru e poderoso, não perdoa e não faz prisioneiros. Você pode ouvir a essência da sua atitude rock inovadora."

2) Jeff Beck - "Cause We Ended as Lovers"

"Jeff é um artesão de áudio. A dinâmica tonal é tão grande como algo jamais realizado sobre o instrumento. Ele está em uma classe separada dos outros."


1) Santana - "Europa (Earth's Cry Heaven Smile)"

"Para mim, esta canção é o mais próximo que cheguei de ouvir a voz de Deus em uma guitarra elétrica. É a perfeição espiritual melódica.

Os 20 discos seminais do Hard Rock





No decorrer dos anos, bandas como o Deep Purple já foram classificadas e rotuladas das mais variadas formas: psicodelia, rock progressivo, heavy metal, e daí em diante. Uma característica, entretanto, era destacada de forma unânime: eles eram “pesados”. Nos dias de hoje, observando-se o panorama musical surgido no final da década de 60 com uma perspectiva menos restritiva, torna-se muito mais simples e coerente agrupar todas aquelas bandas que compartilhavam o tal “peso” – por mais subjetivo que isso possa parecer – sob a égide do hard rock.


Rock’n’roll ou R&B, blues rock ou jazz, country ou rock sulista, progressivo ou psicodélico, não importam as origens ou as influências, e sim a música, a criatividade e a originalidade.

Listamos aqui, em ordem alfabética, vinte das bandas mais representativas e influentes do estilo, cada uma com seu álbum geralmente considerado como mais expressivo, por algum motivo em especial. Como seria de se esperar, devido ao espaço limitado, muitas bandas igualmente importantes não foram abordadas diretamente. Alguns mais familiarizados com o estilo podem (e devem) sentir falta de nomes importantes como Thin Lizzy, Cactus, Budgie, Groundhogs, Lynyrd Skynyrd, Blue Öyster Cult, Gun, Mayblitz, Ten Years After, Rory Gallagher, Jefferson Airplane, Atomic Rooster, etc., ou ainda outros como Golden Earring, Guess Who, Mahogany Rush ou o próprio Rush, se quisermos sair do eixo Inglaterra/EUA. Limitações e omissões à parte, a lista a seguir visa apenas a oferecer algumas referências e sugestões para aqueles que desejarem conhecer ou apenas se aprofundar um pouco neste maravilhoso reino de violinos, harpas, oboés e fagotes do hard rock, onde as fadas, como todos sabem, usam botas...



1. The Allman Brothers Band - “At Fillmore East” (1971)

Um dos álbuns mais insistentemente indicados pela mídia (e pelos fãs) como o melhor registro ao vivo de todos os tempos (eleito pela revista “Rolling Stone” em 1988, entre outras), “At Fillmore East” faz realmente jus a todos os elogios possíveis. Neste terceiro álbum da banda (que contém músicas do trabalho seguinte, “Eat a Peach”), ainda com Duane Allman nas guitarras, acompanhado por Dickey Betts, encontramos jams memoráveis e versões estendidas de clássicos como “In Memory of Elizabeth Reed” (totalmente reestruturada) e “Whipping Post”, passeando por estilos distintos como o blues, o hard e o jazz. Apesar de ter feito sucesso em uma linha de rock “sulista” americano mais ligada ao blues, a influência do Allman Brothers no hard rock é inegável, principalmente devido ao estilo inovador dos arranjos de duas (ou mesmo três) guitarras. Diversas edições do álbum foram lançadas, sendo a mais interessante o CD duplo “The Fillmore Concerts”, remasterizado e com diversos bônus, contabilizando quase o dobro de material em relação ao LP original.



2. Black Sabbath - “Paranoid” (1970)

Todos têm seu álbum preferido do Black Sabbath, geralmente um dos cinco primeiros, e qualquer um deles poderia estar representando a banda aqui com todos méritos. “Paranoid” reúne talvez o maior número de clássicos, como “War Pigs”, “Paranoid”, “Iron Man”, “Electric Funeral” e “Fairies Wear Boots”. O estilo original dos riffs de Tony Iommi, os vocais sui generis de Ozzy e a cozinha destruidora de Butler/Ward ainda irão influenciar bandas de rock por muitas gerações. E para afirmar isso nem precisamos levar em conta aqui os outros ótimos trabalhos com o Dio, Gillan, os solos de Ozzy com Randy Rhoads, etc.



3. Blue Cheer - “Vincebus Eruptum” (1968)

Formado em 1967 em San Francisco, o Blue Cheer é frequentemente apontado até hoje como “a primeira banda de Heavy Metal”, talvez por serem motociclistas (o próprio manager era um Hell Angel...) cabeludos, usuários assumidos de drogas (“Blue Cheer” é uma “marca” de ácido), e tocarem extremamente alto, chegando mesmo a estourar o equipamento do estúdio durante a gravação do segundo álbum (“Outside Inside” – as sessões de gravação subsequentes foram feitas ao ar livre!). Também conseguiram algum sucesso com sua pesadíssima versão de “Summertime Blues” (de Eddie Cochran), seu primeiro single, também presente no álbum de estreia, “Vincebus Eruptum”, aqui em destaque. Exageros à parte, a banda produziu discos muito interessantes (seis álbuns, até 1971, descontando-se os álbuns de retorno dos anos 80 e 90), incorporando elementos psicodélicos ao hard mais cru inicial. O guitarrista original, Leigh Stephens, seguiu carreira solo de relativo sucesso, sendo substituído ao terceiro álbum por Randy Holden, que também viria a obter algum destaque.



4. Cream - “Disraeli Gears” (1967)

Exaustivamente apontado pela mídia como o primeiro supergrupo “artificialmente montado” da história, o Cream reunia três músicos de currículos inegavelmente surpreendentes. Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker, em 1967, já haviam tocado, juntos ou separadamente, com alguns dos maiores nomes do R&B da época: Alexis Korner, Graham Bond, John Mayall, Manfred Mann, entre outros, e foram contratados pelo esperto empresário Robert Stigwood para tocarem como um grupo por um período de dois anos, extensível a três. Gravado em Nova Iorque em apenas três dias, nos modernos estúdios da Atlantic, “Disraeli Gears”, o segundo álbum da banda, não era nada menos do que uma tentativa explícita de Ahmet Ertgun, famoso chefão da Atlantic, de investir na promissora imagem de Eric Clapton. Por esse motivo, diversas composições de Jack Bruce foram apenas aproveitadas em sua subsequente carreira solo. Mesmo o compacto que precedeu o álbum continha apenas composições de Eric: “Strange Brew” e “Tales of Brave Ulysses”. Apesar de tudo, na única composição assinada por ambos (“Sunshine of Your Love”), o compacto posteriormente lançado se tornaria o mais vendido da história da Atlantic, até então.



5. Deep Purple - “Made in Japan” (1972)

“O melhor álbum ao vivo de todos os tempos!”. Mas... Outro? Bom, não importa, o fato é que “Made in Japan” é um velho preferido de muita gente (Ian Paice, por exemplo), em todos os formatos e versões disponíveis. A mais completa é o CD triplo “Live in Japan”, que traz praticamente a íntegra dos três shows originais, com a exceção das versões de “Smoke on the Water” e “The Mule” do “Made in Japan” originais, e quatro faixas de bis (“Black Night” e “Lucille”, do segundo show, e “Black Night” e “Speed King”, do terceiro).



6. Free - “Fire and Water” (1970)

Formado em 1968, em plena explosão do blues inglês, o Free em pouco tempo registra seu primeiro álbum, “Tons of Sobs” (Island). Apesar da pouca idade dos músicos (o baixista Andy Fraser tinha apenas 16 anos!), todos já tinham alguma experiência musical, e o resultado foi excelente. Com um estilo original e variado, misturando baladas, blues e belas melodias baseadas guitarra de Paul Kossoff e na voz expressiva de Paul Rodgers, o Free atinge seu auge comercial em seu terceiro disco, “Fire and Water”, que contém seu maior hit, “All Right Now”, um verdadeiro hino do rock. Após algumas idas e vindas, dissoluções e formações alternativas, o Free encerra as atividades em 1972. Paul Rodgers e Simon Kirke (baterista) se juntam a Mick Ralph (ex-Mott the Hoople) e Boz Burrel (ex-King Crimson) e formam o Bad Company, que após um belo primeiro álbum, vem gravando sistematicamente até os dias de hoje (N.E.: Rodgers, como todos sabem, acabou se juntando mais recentemente ao Queen + Paul Rodgers). Já Paul Kossoff formou o Back Street Crawler (nome de seu primeiro trabalho solo), onde gravou dois discos até vir a falecer em 1976.



7. Grand Funk Railroad - “E Pluribus Funk” (1972)

Apontado pela crítica como uma resposta americana ao Led Zeppelin, o Grand Funk foi de fato o primeiro power trio de hard a fazer sucesso efetivo nos EUA, sendo que a maior parte de seus álbuns até 1975 frequentou o top ten americano. “E Pluribus Funk”, o quinto álbum de estúdio, fez sucesso tanto pela música quanto por sua capa, em formato redondo (uma moeda). Todos os discos de estúdio até o início de 1974 (oito, ao todo) e os dois álbuns ao vivo trazem bom material, com um estilo de rock americano inconfundível, direto e com muita energia (que substituía com bastante sucesso a “falta de virtuosismo” vez por outra apontada pela crítica...). No disco “Shinin’ On” (1974), a banda atinge seu pico comercial, com a música “The Loco-Motion” (do Little Eva, composta por Carole King), que marcou a primeira ocasião em que um cover atingiu o primeiro posto nas paradas americanas após a versão original também tê-lo conseguido. Infelizmente, entretanto, a música marcou também o fim de uma era de excelentes discos de hard rock, abrindo caminho para um estilo mais pop e acessível que rapidamente espantou os fãs e levou ao fim da banda em 1976.



8. Iron Butterfly - “In-a-Gadda-da-Vida” (1968)

Um dos álbuns de maior sucesso da história do hard americano (até 1993 já havia ultrapassado a marca de 4 milhões de cópias), “In-a-Gadda-da-Vida” (corruptela de “In the Garden of Eden”), com todos seus excessos, pode ser mesmo considerado “o hino de uma geração”. Composta pelo tecladista Doug Ingle, cabeça da banda, a faixa-título foi supostamente baseada em uma missa africana (“Missa Luba”) que o guitarrista Erik Brann andava escutando na época. O resultado final, com os vocais guturais, a bateria tribal característica (o baterista Ron Bushy sempre foi adepto dos longos solos...) e os teclados fazendo a parte dos corais chamou tanto a atenção que todos os outros trabalhos da banda seriam solenemente ignorados. Alguns consideram o quarto álbum de estúdio (“Metamorphosis”, 1970) o mais bem acabado, em parte pela presença do guitarrista Mike Pinera, mas o fato é que todos os álbuns anteriores (incluindo “Heavy”, de 1967, e “Ball”, de 1969) mantêm o mesmo bom nível.



9. James Gang - “Rides Again” (1970)

Mais uma banda americana imprescindível, o James Gang surgiu em 1967, em Cleveland, Ohio, e veio a gravar seu primeiro álbum (“Yer Album”) em 1969, já com Joe Walsh na guitarra. No ano seguinte, com Dale Peters (baixo) e Jim Fox (bateria), a banda atingiria seu auge criativo, com o clássico “Rides Again”. Extremamente criativo, e misturando faixas de puro hard rock com passagens acústicas e arranjos bem construídos, o disco obteve razoável sucesso, com destaque absoluto para o talento de Joe Walsh, que além das guitarras, tocava teclados e cantava com extrema competência. Após mais dois ótimos discos (“Thirds” e “Live In Concert”, ambos de 1971), Joe deixa o grupo, para iniciar sua carreira solo e logo em seguida escrever seu nome na história junto aos Eagles. Em 1974, após dois outros discos com um guitarrista canadense (Dom Troiano), é a vez de Tommy Bolin (ex-Zephyr) assumir as guitarras e gravar “Bang” e “Miami”, que apesar de interessantes (ajudaram Tommy a se projetar ainda mais e abrir as portas do Deep Purple), não atingem o mesmo nível musical dos trabalhos iniciais da banda.



10. Jeff Beck Group - “Truth” (1968)

O primeiro de uma série incrível de álbuns solo, que estabeleceram Jeff Beck definitivamente como um dos melhores guitarristas de sua geração. Gravado em menos de uma semana e lançado em sequência a três compactos (que contavam com os vocais do próprio Jeff, por imposição da gravadora, apesar da presença de Rod Stewart!), o disco fez grande sucesso nos Estados Unidos, embora não tenha tido uma recepção especialmente calorosa na Inglaterra. Dentre as faixas principais encontram-se “Shapes of Things”, regravação de um antigo single dos Yardbirds (1966) e “Beck’s Bolero”, a primeira faixa que Beck gravou solo (a banda, na ocasião, contava com Jimmy Page, John Paul Jones e Keith Moon), retirada do primeiro compacto do conjunto, “Hi Ho Silver Lining”. Após o álbum seguinte, “Beck-Ola”, Rod Stewart e o baixista/guitarrista Ron Wood formaram o Faces (substituindo Steve Marriot no Small Faces, então na estrada há seis anos), e a banda encontrou seu final definitivo com um grave acidente de carro, que deixaria Jeff fora de ação por longos 18 meses, adiando a já combinada formação do BBA (Beck, Bogert & Appice) por alguns anos (ou seja, até o fim do Cactus original de Tim Bogert e Carmine Appice, em 1973).



11. Jimi Hendrix - “Are You Experienced?” (1967)

Uma tarefa difícil, senão impossível, é falar da importância e da influência de Jimi Hendrix sem ser trivial ou repetitivo. Todos seus álbuns tiveram alguma faceta criativa em especial, mas o primeiro foi provavelmente o de maior impacto. Gravado ao longo de seis meses entre diversas excursões entre a América e a Europa, “Are You Experienced?” logo estourou nas paradas. Curiosamente, a edição inglesa (que só perdeu o número um nos charts devido a “Sgt. Pepper’s”, dos Beatles) deixava de fora os hits anteriores “Purple Haze”, “The Wind Cries Mary” e “Hey Joe”, devidamente incorporadas no LP americano, distribuído pela gigantesca Warner-Reprise. Grande parte desse sucesso pode ser creditado à atuação do empresário e produtor Chas Chandler, que trouxe Jimi dos EUA e financiou de seu próprio bolso as gravações do primeiro compacto, o clássico “Hey Joe”.



12. Led Zeppelin - “Led Zeppelin II” (1969)

Tal qual ocorre com o Black Sabbath, todos guardam seu disco predileto do Led Zeppelin no coração. As opções são muitas, mais ainda se levarmos em conta a inimaginável quantidade de bootlegs lançados ao longo dos anos. O segundo álbum é sem dúvida um dos maiores e mais influentes trabalhos do hard rock de todos os tempos, recheado de clássicos do início ao fim. Poderia até mesmo, quem sabe, ser uma unanimidade total, se incluísse, por exemplo, “Since I’ve Been Loving You”, do álbum seguinte – um dos mais geniais blues em tom menor da história do hard rock!



13. Mountain - “Climbing!” (1970)

Nascido em Nova York a partir do encontro entre o guitarrista Leslie West e o produtor (e baixista) Felix Pappalardi (que haviam trabalhados juntos no primeiro álbum solo de Leslie, de 1969), o Mountain fez uma estréia em grande estilo, no Festival de Woodstock. Logo em seguida, gravam seu primeiro álbum propriamente dito, “Climbing!”, conseguindo imediatamente um grande sucesso nas paradas. Com o estilo de riffs de guitarra e a voz inconfundível de Leslie, aliados às melodias delicadas de Felix, mais a colaboração de Corky Laing (bateria, parceiro de Leslie até os dias de hoje) e Steve Knight (teclados), muitas faixas se tornaram clássicas, como a indefectível “Mississippi Queen” ou a sensacional versão (para muitos, a definitiva) de “Theme for an Imaginary Western”, de Jack Bruce. Após outros discos de sucesso como “Nantucket Sleighride” e “Flowers of Evil”, a banda começa a perder o pique. West e Laing gravam três álbuns com Jack Bruce (destaque para o belo “Why Dontcha”, de 1972), e em seguida fazem um derradeiro álbum como Mountain, o fraco “Avalanche” (1974). Felix Pappalardi retomou a carreira de sucesso como produtor, até ser vítima da “violência conjugal” em 1983, morto pela mulher com um tiro na cabeça.



14. Rainbow - “On Stage” (1977)

Este supergrupo formado por Ritchie Blackmore após sua saída do Deep Purple foi responsável, junto com o UFO de Michael Schenker, por alguns dos melhores álbuns e performances da segunda metade da década de 70. Com um repertório formado basicamente a partir do excelente material do primeiro disco de estúdio (não trazendo, infelizmente, a épica “Stargazer”, do segundo álbum), “On Stage” traz os bem conhecidos Ritchie, Dio, Cozy Powell, Jimmy Bain e Tony Carey (teclados) no auge da sua forma, rivalizando facilmente com o “Made in Japan” em qualidade musical, execução e registro. Pena que a partir da breve passagem de Graham Bonnet pela banda (registrada no já fraco disco “Down to Earth, de 1979, também com o baixista Roger Glover) as constantes mudanças de pessoal (resultado do ego incontrolável de Ritchie) tiveram um efeito nefasto no conjunto, conhecido a partir de então por discos lamentáveis, passagens embaraçosas e músicos muito aquém dos velhos dias de glória dos anos 70.



15. Steppenwolf - “Steppenwolf” (1968)

Para muitos, o Steppenwolf não passa de mais uma banda de um hit apenas, ou seja: “Born to Be Wild”. O que os incautos ignoram é a quantidade de bons discos lançados no curto e atribulado período (1968 a 1971) de existência do conjunto: 8 álbuns, ao todo. Para quem gosta de um, é difícil não gostar dos outros, tamanho o equilíbrio. De alguma forma, contudo, o primeiro trabalho se sobressai ao conjunto, tanto pelo excelente material quanto pela execução vigorosa e intensa das composições. Além de “Born to Be Wild”, o disco contém diversos outros clássicos do repertório da banda, como “Sookie Sookie” (de Cropper/Covey), “The Ostrich”, “Hootchie Kootchie Man” (Willie Dixon) e, principalmente, “The Pusher” (Hoyt Axton). Esta última música, executada desde o tempo em que a banda se chamava “Sparrow” e tinha acabado de chegar à California (vinda do Canadá), aparece também em uma sensacional versão de quase 30 minutos no disco “Early”, gravado em maio de 1967, que atesta inapelavelmente uma criatividade precoce e a enorme influência do Steppenwolf para o hard rock.



16. UFO - “Strangers in the Night” (1978)

Gravado no decorrer de uma enorme turnê americana (onde abriram muitos shows para o Blue Öyster Cult), “Strangers in the Night” é um marco na discografia do UFO. Foi registrado durante sua melhor fase, após o lançamento de seu álbum de estúdio de maior sucesso, “Lights Out” (1977), onde o tecladista Paul Raymond já integrava o conjunto, e imediatamente antes do guitarrista Michael Schenker abandonar a banda “em definitivo” pela primeira vez. O repertório é o melhor possível, uma sucessão imensa de clássicos como “Doctor Doctor”, “Rock Bottom”, “Lights Out”, “Love to Love”, “Too Hot to Handle” e muitos outros, todos tocados com uma energia incrível e eletrizante, em versões infinitamente superiores às respectivas gravações em estúdio. Não é à toa que os fãs insistem em afirmar que este é “o melhor álbum ao vivo de todos os tempos” (o que não parecia ser um título muito difícil de se obter nos anos 70...). Exageros à parte, os solos incríveis de Michael Schenker e o vocal firme e característico de Phil Mogg ajudaram a consolidar um estilo que viria a se tornar referência básica em hard rock, e influência para muitas bandas de heavy metal dos anos 80 aos dias de hoje.



17. Uriah Heep - “Demons and Wizards” (1972)

O ano de 1971 foi um marco na carreira do Uriah Heep. Após o lançamento de “Look at Yourself”, que obteve razoável sucesso tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos, a banda sofreu mais uma de suas inúmeras mudanças de formações: Lee Kerslake assumiu a bateria, e Gary Thain o baixo. Junto com Ken Hensley (teclados), Mick Box (guitarras) e David Byron (vocais), o conjunto assumiu sua formação clássica, responsável por seus melhores álbuns. “Demons and Wizards”, gravado no início do ano seguinte, foi o primeiro deles, e certamente o mais criativo. As composições, como o próprio título do álbum sugere, se voltaram para temas fantásticos, e para ilustrar esta mudança, Roger Dean foi chamado para produzir a capa (repetindo a dose no álbum seguinte, “The Magician’s Birthday”). O sucesso foi grande, principalmente nos EUA, graças à combinação dos teclados virtuosos de Hensley com a bela e poderosa voz de Byron, somados ao baixo nervoso e onipresente de Gary Thain, considerado por muitos um dos melhores baixistas de hard rock da história, ao lado de Bogert, Bruce e Entwistle.



18. Vanilla Fudge - “Renaissance” (1968)

Influência confessa de várias grandes bandas do início dos anos 70 (Deep Purple, por exemplo), o Vanilla Fudge começou sua carreira de sucesso em 1967, com uma versão de “You Keep Me Hanging On” (The Supremes), que logo se tornou um hit, abrindo as portas da banda para a gravadora Atlantic. Após dois álbuns bem recebidos pela mídia, que os rotulava de sucessores dos Beatles (consta que George Harrison era um fã, e adorava a versão de “Eleanor Rigby” do primeiro álbum, que por sinal era composto apenas por covers), a banda grava “Renaissance”, que marca seu amadurecimento musical, com composições próprias, mais longas e trabalhadas, praticamente inaugurando o estilo de hard baseado no órgão Hammond (o tecladista Mark Stein fez escola) e no virtuosismo instrumental. Após o fim da banda, Carmine Appice (baterista) e Tim Bogert (baixista) continuaram juntos por um tempo, gravando ainda ótimos álbuns com o Cactus e junto a Jeff Beck, no supergrupo “Beck, Bogert and Appice” (BBA) – ambos igualmente essenciais na história do hard rock.



19. The Who - “Who’s Next” (1971)

Depois do sucesso de “Tommy”, o grande projeto conceitual de Pete Townshend para o The Who era uma história de ficção científica chamada “Lifehouse”. Totalmente megalomaníaca, envolvendo, além de um álbum duplo, a produção de um filme, apresentações de teatro e concertos gigantescos, a idéia rapidamente se mostrou inviável. Entretanto, o grupo já estava meio de saco cheio da história toda (e da incapacidade de Townshend de completar o roteiro e explicar para todos o conceito do disco), quando o produtor associado Glyn Johns preparou uma seleção das faixas finalizadas e apresentou ao grupo, que de pronto aprovou a idéia. Como resultado, foi então lançado o álbum “Who’s Next”, para muitos o melhor e mais equilibrado trabalho de estúdio da fase hard da banda (que ficou conhecida, contudo, pelos seus memoráveis shows, marca registrada até os dias de hoje – enquanto restar algum membro vivo, ao menos). Apesar de não manter a proposta conceitual, a seleção de faixas do finado “Lifehouse” traz a banda no auge de seu processo criativo, com Pete, John, Keith e Roger mostrando no manejo habilidoso dos instrumentos a diferença básica que os destacava dentre seus antigos contemporâneos e conterrâneos de maior sucesso...



20. Wishbone Ash - “Argus” (1972)

O último disco desta lista, graças à sequência alfabética das bandas, é provavelmente um dos melhores álbuns de todos os tempos. Destaque absoluto na excelente discografia da banda, que também inclui discos essenciais como “Pilgrimage” (1971) e “There’s the Rub” (1974), “Argus” é o produto de um surto incrível de criatividade, poucas vezes igualado na história do rock. São sete faixas impecáveis, com arranjos belíssimos de duas guitarras (executadas por Andy Powell e Ted Turner), responsáveis, ao lado de bandas como o Allman Brothers e o Thin Lizzy, pela criação de um estilo musical que influenciou muitos conjuntos de heavy metal dos anos 80, como o Iron Maiden por exemplo. Com reconhecimento unânime da crítica e do público, “Argus” foi eleito o melhor álbum de 1972 pelos leitores de dois dos mais importantes jornais musicais ingleses da época, o “Melody Maker” e o “Sounds”, batendo discos tais como “Machine Head” e “Thick as a Brick”. Passeando sempre entre o hard e o rock progressivo (apesar da ausência de teclados), músicas como “Sometime World”, “The King Will Come”, “Warrior” e “Throw Down the Sword” são testemunhos incontestes da época mais rica e criativa dos dias de glória do rock inglês.




Hoje na história do Rock no mundo - 25/11




Hendrix faz sua primeira entrevista coletiva


[25/11/1966] Há 43 anos

Jimi Hendrix faz o primeiro contato com a imprensa durante um show do trio Jimi Hendrix Experience, no clube Bag O'Neils, em Londres, na Inglaterra. Eles haviam tocado em outros países da Europa, como Alemanha e França, e já traziam o primeiro single na bagagem. Um single gravado na própria capital inglesa e que continha as músicas "Hey Joe" e "Stone Free".


O Cream se despede dos fãs


[25/11/1968] Há 41 anos

O Cream, de Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker, faz o primeiro de dois shows de despedida, no Royal Albert Hall, em Londres, com abertura do Yes e do Taste. Dez mil fãs do grupo lotaram a casa, enquanto outros milhares ficaram do lado de fora, sem ingressos.


Doors continua, apesar da ausência de Morrison


[25/11/1971] Há 38 anos

Os três integrantes remanescentes do Doors, Ray Manzarek, Robbie Krieger e John Densmore, anunciam, publicamente, que o grupo irá continuar. O vocalista Jim Morrison havia sido encontrado morto em julho do mesmo ano e, depois disso, especulou-se o fim dos Doors. Porém, isso não tardou a acontecer. O trio gravaria apenas dois álbuns, "Other Voices" e "Full Circle", sem o menor sucesso, e partiria para outros projetos.


Clash toca em festival jamaicano


[25/11/1982] Há 27 anos

Depois de encerrar a turnê conjunta com o The Who, nos Estados Unidos, o Clash viaja para a América Latina e participa do "Jamaica World Music Festival", no ginásio Bob Marley Performing Center, em Montego Bay. Além deles, outros grandes nomes da música marcaram presença por lá, como os Beach Boys, Grateful Dead, Aretha Fanklin e Gladys Night.


Gravação reúne mais de 30 artistas


[25/11/1984] Há 25 anos

Depois de acompanhar uma reportagem sobre a fome na Etiópia, através do canal BBC1, o líder do Boomtown Rats, Bob Geldof, resolve criar o projeto Band Aid e fazer, entre outras ações, uma música para arrecadar fundos, ajudando, assim, a reverter o problema. Ao lado de Midge Urge, do grupo Ultravox, ele compôs a música "Do They Know It's Christmas?" e convidou dezenas de artistas para participar da gravação – fato que inspiraria, logo depois, o projeto USA For África. Durante as gravações, 36 artistas (incluindo Geldof e Urge) estiveram no estúdio SARM, em Londres, na Inglaterra. O resultado seria lançado no dia 7 de dezembro e venderia mais de dois milhões de cópias até o fim daquele ano. Veja abaixo, quem participou do Band Aid: Boomtown Rats, Ultravox, Bananarama, Phil Collins, Culture Club (Boy George e John Moss), Duran Duran, Frankie Goes To Hollywood, Heaven 17 (Glenn Gregory e Martin Ware), Kool & The Gang (Robert Bell, James Taylor e Dennis Thomas), Annie Lennox, Marilyn, George Michael, Spandau Ballet, Status Quo (Rick Parfitt e Francis Rossi), Sting, U2 (Bono e Adam Clayton), Jody Watley, Paul Weller e Paul Young.

Hoje na história do Rock Brasileiro - 25/11




ATENÇÃO - 1947: Nasceu, no Rio de Janeiro, José Rodrigues Trindade, o cantor e compositor Zé Rodrix. Multiinstrumentista tornou-se profissional com a banda vocal Momento-4. De 1969 a 1971 participou da banda Som Imaginário que, além de gravar solo, também acompanhou artistas como Gal Costa e Milton Nascimento. Passou a ser conhecido nacionalmente com a música “Casa no Campo”. Zé Rodrix também foi um dos precursores do gênero rock rural e, em 1971, passou a fazer parte do trio Sá, Rodrix e Guarabira com quem gravou dois discos e deixou o hit “Hoje é Dia de Rock”. A partir de 1973 passou a gravar solo e compôs para trilhas de filmes e novelas. Em 1982, junto com Tico Terpins, reativou o Joelho de Porco e ficou com a banda até seu fim, no início dos anos 90. Em sociedade, também com Terpins, fundou a bem sucedida produtora de jingles A Voz do Brasil. Rodrix foi um grande compositor de hits e morreu em 22 de maio de 2009.

- 1950: Nasceu, em Niterói (RJ), o baixista Antônio Pedro Medeiros, que já tocou com Veludo Elétrico, Mutantes e Blitz.

- 1987: O Fellini lançou o disco 3 Lugares Diferentes. Os destaques são “Zum Zum Zum Zazoeira” e “Teu Inglês”.

- 1987: O Biquini Cavadão lançou o segundo disco A Era da Incerteza. Os destaques são “Catedral” e “¡Tormenta!”.

- 1987: A banda Zero lançou o segundo disco Carne Humana. Os destaques são “Quimeras”, “A Luta e o Prazer” e a faixa título. A formação da banda era Guilherme Isnard (vocal), Rick Villas (baixo), Freddy Haiat (teclado), Eduardo Amarante (Guitarra) e Malcolm Oaklev (bateria).

- 1991: O Capital Inicial lançou o disco Eletricidade. Os destaques são “Todas as Noites” e a faixa título.

- 1993: O escritor, compositor e cantor Fausto Fawcett lançou o terceiro disco Básico Instinto. Os destaques são “Pagode da Lourinha”, “Santa Clara Poltergeist II” e a faixa título.

- 1996: O Inocentes lançou o sétimo disco Ruas. Os destaques são “Só a Raiva Pode Nos Ajudar” e “A Cidade Não Pára”.


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